Consejos para realizar Stop Motion

Todo proceso de creación de un video se divide en cuatro etapas: la idea, la preproducción, el rodaje y la postproducción. 

La idea: lo primero que se tiene que definir es qué queremos contar. Cuanto más sencilla sea la idea, más fácil será hacer el video. 

Una vez definida la idea,  se tiene que redactar cada una de las cosas que les suceden a los personajes. 

Escribir el guión literario (una enumeración puntual de acciones, con algunas descripciones de los espacios y de los personajes).

 Este tipo de herramientas  ayudan  a sacar las fotos exactas de cada una de las cosas que se quiere que pasen, sin perder ninguna información importante. 

 Una vez que se tiene el guión se puede hacer un storyboard. 

Un storyboard es un guión visual del proyecto, una secuencia de imágenes dibujadas que ilustra los eventos importantes del corto, video. 

A diferencia de un guión literario, el storyboard incluye no sólo los eventos que les suceden a los personajes y sus diálogos sino también cómo es que cada una de estas situaciones se va a ver en el video. 

La apariencia de un storyboard es similar a la de cualquier cómic o chiste. Al momento de dibujar estos eventos hay que decidir de qué modo se quiere que se vean los personajes.

 Para esto se tiene que empezar a definir los distintos tamaños de plano y posiciones de cámara. 

Planos: los tamaños de plano van desde los más amplios y descriptivos hasta los más cerrados y expresivos.

 Plano panorámico: se ve el espacio lo más grande posible, los personajes sólo se distinguen como pequeños puntitos. Es un tipo de plano similar a los de las fotos que se toman desde los puntos panorámicos de algún centro turístico.

 Plano general: muestra el espacio amplio pero con personajes que se distinguen mejor. 

Plano entero: nuestro personaje ya se reconoce; el plano va desde la cabeza hasta los pies. Puede servir para mostrar las características físicas del personaje y sus acciones. 

Plano americano: va desde la cabeza a las rodillas. 

Plano medio: va desde la cabeza al pecho. Ya empezamos a acercarnos al personaje y por lo tanto a transmitir sensaciones más dramáticas. 

Primer plano: va desde la cabeza a los hombros del personaje. Permite mostrar su expresión y sus emociones.

 Primerísimo primer plano: muestra la cara del personaje. 

Plano detalle: muestra solamente una parte del cuerpo del personaje. 

Posiciones de cámara 

Cámara picada: la cámara puesta bien alta enfocando hacia abajo. Cámara contrapicada: la cámara bien abajo mirando hacia arriba 

 Cámara normal: a la altura de los ojos de un ser humano.

 Cámara subjetiva: Se usa cuando mostramos exactamente lo que ve el personaje. La cámara pasa a ser la mirada misma del personaje, y nosotros nos ponemos en su lugar. 

Otro elemento importante para pensar es el tiempo del storyboard (tiempo que se le dará en la edición a cada imagen). 

  La velocidad en que se suceden las imágenes varia según cuántas fotos se saquen por segundo. 

En el cine  parece que las cosas y las personas se mueven porque hay 24 imágenes por segundo, que pasan muy rápido y olvidamos que en realidad son imágenes fijas. 

Si se quiere lograr esa ilusión, serán 24 fotos por segundo las que hay  que sacar. Se puede armar un corto con, 12 imágenes por segundo, aunque también con  menos se obtendrá resultados muy interesantes. 

 Preproducción: Una vez que se tiene definida la idea y el storyboard, se tiene que preparar una lista de los elementos que se necesitan para tomar las fotografías de nuestro corto: 

 Personajes. Vestuario (ropa y accesorios); la elección del vestuario es muy importante para dar información al espectador sobre quiénes son los personajes. Decorados. Utilería( objetos particulares, distintos).

  

Rodaje  Durante este proceso se recomienda tener a mano el guión  y  el storyboard, que van a ser muy útiles para preparar los encuadres.

Tomas: la toma es cada una de las repeticiones de un plano, tantas veces como sea necesario para que quede bien. El plano es el encuadre que se elige en el storyboard y que será el de la foto. Es el que se determina,  por su tamaño, por la posición de cámara, entre otras cosas.  

Es muy útil ponerle número a los planos y que siempre se tome nota de qué fotos se sacan y cuáles no. Esto te va a facilitar las cosas al momento de seleccionar las fotos que sirvan. 

 Puesta de luz:  permite expresar las cosas con claridad y crear climas interesantes. 

 Toda puesta básica de luz está conformada por: La luz principal que ilumina al sujeto. Por lo general se la ubica en un costado; muy rara vez de frente.

La luz de relleno que se usa para iluminar la parte trasera de aquello que ilumina la luz principal. La luz ambiente, que ilumina los sectores del decorado que no fueron iluminados por la principal. Dependiendo de lo que se quiera contar, aparecen otras posiciones de las luces, como por ejemplo el contraluz, que se ubica detrás el personaje y lo recorta de forma tal que no se distinguen sus detalles sino sólo una silueta. 

  La iluminación desde abajo del personaje, que genera sombras pronunciadas sobre la cara. La sensación que transmite puede ser muchas veces de misterio o terror. 

 Si se van a tomar las fotos en un exterior, tener cuidado con el momento del día en que se realiza. No es lo mismo la luz del mediodía, que por lo general es muy fuerte y hace que las fotos salgan muy duras y contrastadas, que la luz del atardecer, que hace que salga más suaves.

Postproducción La etapa de postproducción tiene a su vez otras tres fases: la captura de las fotos, la edición y la publicación final.

Link relacionado con dicha información:

http://www.terras.edu.ar/aula/tecnicatura/13/biblio/WELLS-Paul-animacion3d.pdf