Consejos para realizar Stop Motion

Todo proceso de creación de un video se divide en cuatro etapas: la idea, la preproducción, el rodaje y la postproducción. 

La idea: lo primero que se tiene que definir es qué queremos contar. Cuanto más sencilla sea la idea, más fácil será hacer el video. 

Una vez definida la idea,  se tiene que redactar cada una de las cosas que les suceden a los personajes. 

Escribir el guión literario (una enumeración puntual de acciones, con algunas descripciones de los espacios y de los personajes).

 Este tipo de herramientas  ayudan  a sacar las fotos exactas de cada una de las cosas que se quiere que pasen, sin perder ninguna información importante. 

 Una vez que se tiene el guión se puede hacer un storyboard. 

Un storyboard es un guión visual del proyecto, una secuencia de imágenes dibujadas que ilustra los eventos importantes del corto, video. 

A diferencia de un guión literario, el storyboard incluye no sólo los eventos que les suceden a los personajes y sus diálogos sino también cómo es que cada una de estas situaciones se va a ver en el video. 

La apariencia de un storyboard es similar a la de cualquier cómic o chiste. Al momento de dibujar estos eventos hay que decidir de qué modo se quiere que se vean los personajes.

 Para esto se tiene que empezar a definir los distintos tamaños de plano y posiciones de cámara. 

Planos: los tamaños de plano van desde los más amplios y descriptivos hasta los más cerrados y expresivos.

 Plano panorámico: se ve el espacio lo más grande posible, los personajes sólo se distinguen como pequeños puntitos. Es un tipo de plano similar a los de las fotos que se toman desde los puntos panorámicos de algún centro turístico.

 Plano general: muestra el espacio amplio pero con personajes que se distinguen mejor. 

Plano entero: nuestro personaje ya se reconoce; el plano va desde la cabeza hasta los pies. Puede servir para mostrar las características físicas del personaje y sus acciones. 

Plano americano: va desde la cabeza a las rodillas. 

Plano medio: va desde la cabeza al pecho. Ya empezamos a acercarnos al personaje y por lo tanto a transmitir sensaciones más dramáticas. 

Primer plano: va desde la cabeza a los hombros del personaje. Permite mostrar su expresión y sus emociones.

 Primerísimo primer plano: muestra la cara del personaje. 

Plano detalle: muestra solamente una parte del cuerpo del personaje. 

Posiciones de cámara 

Cámara picada: la cámara puesta bien alta enfocando hacia abajo. Cámara contrapicada: la cámara bien abajo mirando hacia arriba 

 Cámara normal: a la altura de los ojos de un ser humano.

 Cámara subjetiva: Se usa cuando mostramos exactamente lo que ve el personaje. La cámara pasa a ser la mirada misma del personaje, y nosotros nos ponemos en su lugar. 

Otro elemento importante para pensar es el tiempo del storyboard (tiempo que se le dará en la edición a cada imagen). 

  La velocidad en que se suceden las imágenes varia según cuántas fotos se saquen por segundo. 

En el cine  parece que las cosas y las personas se mueven porque hay 24 imágenes por segundo, que pasan muy rápido y olvidamos que en realidad son imágenes fijas. 

Si se quiere lograr esa ilusión, serán 24 fotos por segundo las que hay  que sacar. Se puede armar un corto con, 12 imágenes por segundo, aunque también con  menos se obtendrá resultados muy interesantes. 

 Preproducción: Una vez que se tiene definida la idea y el storyboard, se tiene que preparar una lista de los elementos que se necesitan para tomar las fotografías de nuestro corto: 

 Personajes. Vestuario (ropa y accesorios); la elección del vestuario es muy importante para dar información al espectador sobre quiénes son los personajes. Decorados. Utilería( objetos particulares, distintos).

  

Rodaje  Durante este proceso se recomienda tener a mano el guión  y  el storyboard, que van a ser muy útiles para preparar los encuadres.

Tomas: la toma es cada una de las repeticiones de un plano, tantas veces como sea necesario para que quede bien. El plano es el encuadre que se elige en el storyboard y que será el de la foto. Es el que se determina,  por su tamaño, por la posición de cámara, entre otras cosas.  

Es muy útil ponerle número a los planos y que siempre se tome nota de qué fotos se sacan y cuáles no. Esto te va a facilitar las cosas al momento de seleccionar las fotos que sirvan. 

 Puesta de luz:  permite expresar las cosas con claridad y crear climas interesantes. 

 Toda puesta básica de luz está conformada por: La luz principal que ilumina al sujeto. Por lo general se la ubica en un costado; muy rara vez de frente.

La luz de relleno que se usa para iluminar la parte trasera de aquello que ilumina la luz principal. La luz ambiente, que ilumina los sectores del decorado que no fueron iluminados por la principal. Dependiendo de lo que se quiera contar, aparecen otras posiciones de las luces, como por ejemplo el contraluz, que se ubica detrás el personaje y lo recorta de forma tal que no se distinguen sus detalles sino sólo una silueta. 

  La iluminación desde abajo del personaje, que genera sombras pronunciadas sobre la cara. La sensación que transmite puede ser muchas veces de misterio o terror. 

 Si se van a tomar las fotos en un exterior, tener cuidado con el momento del día en que se realiza. No es lo mismo la luz del mediodía, que por lo general es muy fuerte y hace que las fotos salgan muy duras y contrastadas, que la luz del atardecer, que hace que salga más suaves.

Postproducción La etapa de postproducción tiene a su vez otras tres fases: la captura de las fotos, la edición y la publicación final.

Link relacionado con dicha información:

http://www.terras.edu.ar/aula/tecnicatura/13/biblio/WELLS-Paul-animacion3d.pdf

“ParaNorman”

De los estudios Laika, cuyas películas son creadas en stop motion -técnica de animación que consiste en aparentar el movimiento de objetos estáticos por medio de una serie de imágenes fijas sucesivas.

En el proyecto trabajaron más de 320 animadores, artistas, diseñadores y técnico

Las caras de los personajes fueron creadas con impresoras 3D. ParaNorman fue la primera película de animación cuadro por cuadro que ha utilizado una impresora 3D en color para crear las caras de sus personajes.

De esta manera no fue necesario pintar las caras a mano una por una. Las expresiones faciales se lograron a través de un proceso llamado "animación por reemplazo" ("replacement animation"), que consiste en reemplazar las caras de los personajes dependiendo de la expresión que se quiere lograr. 

Se imprimieron aproximadamente 31.000 partes faciales diferentes para la película.

En lugar de usar las tradicionales cámaras de formato 3D, el estudio utilizó sesenta cámaras Canon EOS 5D Mark II DSLR para filmar la película.

Realización

'Frankenweenie'

'Frankenweenie' es un remake del cortometraje del mismo nombre que se estrenó en el año 1984. Animada y dirigida por Tim Burton y Disney, a diferencia de la película original, usa animación stop motion. 

Para realizar 'Frankenweenie' se ha usado el "stop motion", el blanco y negro y el 3D, todos esos elementos juntos hacen que sea una creación nueva y preciosa.

Más de 200 títeres y juegos fueron creados para la película, había 17 Victors y 12 Sparkys dado que cada animador trabajaron de forma independiente y en diferentes escenarios. Las marionetas estan inspiradas en los dibujos originales de Tim Burton y son esculpidas en una combinación de silicona y látex. Sus trajes están cosidos con puntadas en miniatura para tener en escala y las pelucas se hacen de cabello humano real.

Los animadores debieron detenerse y posicionar los personajes y cada objeto 24 veces para obtener un segundo de filmación -así es, no usan Flash ni Maya, para ayudarles con los pasos intermedios-. En promedio, un animador podía crear solamente cinco segundos de animación por semana (el film dura 87 minutos). Al contar con múltiples muñecos del mismo personaje, permitía trabajar en más de una escena a la vez. 

Les tomo dos años terminarla, y requirió de las habilidades de una gran cantidad de gente y especialistas para hacerlo realidad. 

Lo que hace diferente a Frankenweenie de un film de acción real es que todo ocurre muy, muy lentamente. 

En la filmación de una película de acción real uno debe tomar decisiones rápidas todo el tiempo; en stop-motion puede tomar un par de días, o hasta un par de semanas, realizar una toma, dependiendo de su complejidad.

Gran parte de la investigación y preparación de la película fue para la animación de los dos perros, Sparky y Perséfone. El director de animación, Trey Thomas, junto con su equipo realizaron investigaciones acerca de cómo se mueven los perros, una tarea que incluyó una visita a la exposición Windsor Dog Show, donde pudieron grabar a los perros en acción. Además tuvieron la visita de un bull terrier al estudio y pudieron representar con él algunas escenas de la acción de Sparky, grabándola desde diferentes ángulos.

El animador debía pasar horas trabajando con la marioneta para obtener todos los movimientos requeridos, así el muñeco debiera sentarse, pararse o beber té, o cualquier otra acción. El día del rodaje, el animador sabía exactamente lo que estaba ocurriendo e iniciaba el proceso de filmar los 24 fotogramas por segundo.

'Frankenweenie' sigue los pasos de otras películas de animación hechas por Tim Burton como 'Novia Cadáver' y 'Pesadilla antes de Navidad', ambas de las cuales fueron nominadas para los Premios de la Academia.

Realización

Películas que utilizaron el Stop Motion

The Nightmare Before Christmas

Coraline 

James and The Giant Peach

Corpse Bride

Willace and Gromit

Chicken Run

Fantastic Mr. Fox

Como realizar un Stop Motion

Consiguir objetos y figuras interesantes: 

Algunas opciones: muñecos de arcilla, de alambre, de bloques Lego o cualquier otro sistema de ensamblaje.También se podría usar una pizarra, figuras de animación y editar levemente los dibujos con cada cuadro.

Colocar a las figuras (personajes) en una posición en particular.

Colocar la cámara enfrente del personaje: 

Asegurarse de abarcarlo todo con un encuadre. Es muy importante sujetar la cámara o colocarla de forma que quede inmóvil y no se agite mientras se toma las fotos. De lo contrario, el resultado final se verá caótico y perderá la continuidad.

Buena fuente de luz:

Puede ser una lámpara o una linterna. Si la luz es intermitente, se necesita cerrar las otras fuentes de luz como persianas o cortinas.

Tomar una sola foto de la figura en la posición que se haya seleccionado.

Comienzar la secuencia de animación:

Mover la figura poco a poco, haciendo pequeños movimientos cada vez. Puede ser sólo una parte de su cuerpo o el cuerpo completo si la figura está caminando, o también puede ser solo un brazo, la cabeza o una pierna. 

Repitir la secuencia de movimiento hasta que termine el desplazamiento.

Guardar las fotos en una carpeta en la computadora.

Usar un programa de edición para compaginar las fotos. 

Importar las fotos al programa deseado

Asegurarse de que las imágenes tengan una corta duración para que fluyan rápidamente. 

Asegurarse de estar satisfecho con el resultado de la animación de stop motion. Si se necesita completar más secuencias para contar la historia, siguir trabajando hasta conseguirlo.

Guardar el video realizado. 

 Stop Motion

Es una técnica de animación que consiste en aparentar el movimiento de objetos estáticos por medio de una serie de imágenes fijas sucesivas.

El stop motion se utiliza para producir movimientos animados de cualquier objeto, ya sea rígido o maleable, como por ejemplo juguetes, bloques de construcción, muñecos articulados o personajes creados con plastilina.

Podría también definirse esta técnica como animación artesanal, debido a que se construye el movimiento manipulando un objeto, con las propias manos,fotograma a fotograma. Se trabajan diversos materiales (plastilina, arena, recortes de papel, tizas sobre suelos y muros...) de manera progresiva, hacia adelante, sin posibilidad alguna de retroceso.

Existen infinitos procedimientos de animación en stop motion, esto es debido a que esta técnica de animación es un procedimiento artístico y cada autor adecua dicha técnica a aquello que quiere expresar. Por ello el stop motion posee una gran riqueza de métodos y variantes.

Podríamos distinguir dos grandes variantes de animación en stop motion: la realizada con plastilina o cualquier otro material maleable, (conocida también con la denominación inglesa claymation) y la realizada con objetos rígidos.

Integrantes :

Lezcano Cecilia